¿Por qué el arte soviético es tan estético?

“El arte pertenece al pueblo”, dijo Vladímir Lenin en una conversación con Clara Zetkin en 1920, y los comunistas convirtieron sus palabras en un eslogan. La frase fue ampliamente reproducida y podía encontrarse en casi todas las casas de cultura locales. La frase original tenía una continuación: “El arte debe extender sus profundas raíces hasta lo más profundo de las masas trabajadoras. Debería ser inteligible para estas masas y ser amado por ellas... ¿Deberíamos regalar a una pequeña minoría galletas dulces, mientras que las masas de obreros y campesinos necesitan pan negro? Evidentemente, no lo digo sólo en sentido literal, sino también figurado: Debemos tener siempre presentes a los obreros y campesinos”.

Todo para el pueblo

De este modo, el líder del proletariado mundial marcó el rumbo que seguiría el arte soviético durante los siguientes 70 años. Su principal característica era la accesibilidad para cualquiera, y no sólo para la élite culta, los refinados bohemios artísticos o los asiduos a los museos, sino literalmente para cualquier campesino que llegara de una aldea y se encontrara por casualidad con un museo.

Alexánder Samojvalov. Chica con camiseta deportiva, 1932

No es de extrañar, pues, que se proclamara el realismo como principal estilo artístico: con ese enfoque, las metáforas y las múltiples capas de significado resultaban superfluas (y durante el periodo de represión política, sencillamente peligrosas).

La pintura y la escultura tenían nuevos héroes, en los que los espectadores debían verse y reconocerse: constructores, trabajadores del acero, estudiantes, atletas, soldados. En cuanto a los mejores artistas de la época -por ejemplo, Alexánder Samojvalov o Alexánder Deineka, las figuras que retrataban no sólo actuaban como un espejo, sino que estaban imbuidas de un poder universalizador. 

Cuadros en todas las casas

Otra consecuencia de la consigna de que el arte pertenecía al pueblo fue la idea de que el arte debía ser accesible a la gente independientemente de su posición económica. Los cuadros se reproducían ampliamente en libros ilustrados de bellas artes, que en la Unión Soviética se publicaban en masa, y en libros de texto de literatura e historia, así como en postales, calendarios desprendibles y reproducciones en revistas populares.

Una postal de Nikolái Karacharskov. «Rusia, escriben sobre nosotros», 1969

La gente de toda la vasta Unión Soviética las coleccionaba y colocaba reproducciones arrancadas de libros y revistas en sus paredes, creando sus propias colecciones poco sofisticadas. Las imágenes que aún recuerdan las generaciones actuales evocan nostalgia no tanto por la pintura soviética en sí como por los años pasados de la infancia.

Hacia un futuro brillante

Tatiana Yablónskaya. Mañana, 1954

Otra idea establecida por Lenin fue el uso del arte como forma de activismo político y promoción de la ideología comunista. La construcción del comunismo era un asunto largo y complicado, y las comodidades personales se sacrificaban constantemente en aras de un brillante futuro colectivo, pero el arte mostraba un ejemplo de cómo hacer frente a las dificultades.

Tatiana Yablónskaya. Grano, 1949

Toda la pintura soviética era extremadamente optimista y sus protagonistas tenían apariencias humanas idealizadas. No había lugar para el cansancio, la depresión o la duda; en su lugar, sólo estaba el sol radiante, la alegría del trabajo y el deporte, y el orgullo que se siente al conseguir algo. En los cuadros de la artista Tatiana Yablónskaya, la hija que hace sus ejercicios matutinos (Mañana) es tan feliz como las agricultoras colectivas durante la cosecha (Grano) la pareja que coquetea junto a una carretilla de ladrillos en una obra (En el Lugar de Construcción).

Tatiana Yablónskaya. En las obras de construcción, 1957

Y en el cuadro de Alexánder Deineka, Brigada de vacaciones, un grupo de musculosos muchachos se quitan la ropa de trabajo y saltan alegremente al agua. Sólo las grúas de construcción del fondo y el título del cuadro dejan entrever que estos superhumanos acaban de terminar una dura jornada en una obra de construcción.

Alexánder Deineka. Brigada de vacaciones, 1952

Herederos de los modernistas

A pesar del deseo del líder soviético de construir un mundo completamente nuevo, era imposible prescindir de la tradición en el arte, y la mayoría de los artistas soviéticos de la primera generación habían recibido una excelente formación de la época imperial y propugnaban ellos mismos los mismos principios. Además, los principales centros de enseñanza soviéticos se formaron a partir de las antiguas escuelas de arte. El famoso Vjutemas [Estudios Superiores de Arte y Técnica], creado en 1918, fue un sucesor directo de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú.

Tras el cierre de Vjutemas en 1930, se crearon tres nuevas instituciones a partir de ella: El Instituto de Arquitectura de Moscú (Marjí); el Instituto Estatal de Arte de Moscú Súrikov; y el Instituto Poligráfico de Moscú. De los tres salieron muchas de las estrellas artísticas del periodo soviético y postsoviético.

Yuri Pímenov. Una reunión, 1972. Reproducción

En los cuadros de muchos maestros soviéticos pueden detectarse las huellas del Modernismo y el Impresionismo. Alexánder Guerásimov fue uno de los principales favoritos de las autoridades soviéticas y pintó el lienzo I.V. Stalin y K.E. Voroshilov en el Kremlin», popularmente conocido como Dos líderes después de la lluvia. Antes de la Revolución de 1917 fue alumno de Konstantín Korovin y Valentín Serov.

Alexánder Guerásimov. I.V. Stalin y K.E. Voroshilov en el Kremlin, 1938

Si se eliminan las figuras centrales, su escuela queda patente en la forma en que están pintados los reflejos en la carretera mojada, en las nubes esponjosas y en la paleta rosácea de la vista de Moscú al fondo.

Gueorgui Nissky. En ruta, 1964

La escultora Vera Mújina, que diseñó el monumento soviético más famoso, El Obrero y la koljosiana, fue alumna de Antoine Bourdelle en París antes de la Revolución, y viajó a Italia para estudiar las obras maestras del Renacimiento. En su obra empleó la proporción clásica y los principios de la escultura clásica.

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