Estas fueron las 5 mejores directoras del cine soviético

1. Tatiana Lióznova (1924-2011)

Tatiana Li'oznova es quizás la directora soviética más versátil.

Lióznova es quizás la directora soviética más versátil. Jugó con varios géneros y contó historias no contadas, haciendo películas dirigidas a un público amplio.

Lióznova nació en una familia judía de Moscú. Su padre era ingeniero y su madre costurera. Tatiana creció amando el cine y los libros (Lióznova era una gran lectora, que afirmaba haber leído la mejor novela de Lev Tolstói, Guerra y paz, al menos 17 veces). Ansiaba contar historias a las que la gente respondiera.

Su maestro fue el legendario director de cine Serguéi Guerásimov (director de El Don apacible y La joven guardia). La principal cualidad de un artista es su capacidad para comprender a una persona, creía Guerásimov. Lióznova demostró ser una buena alumna y aprendió a hacer películas que son realmente para todos y que apelan al corazón más que a la mente.

Sólo hizo nueve películas en treinta años. Esto se debe en parte a que Lióznova nunca sacrificó la calidad en busca del éxito. Su nivel de exigencia era tan alto que invertía una enorme cantidad de tiempo, esfuerzo y energía emocional en cada película.

En su filmografía hay historias conmovedoras sobre el amor (Tres álamos en la calle Pliushchija), comedias musicales (Carnaval) e incluso un drama experimental (Nosotros, los abajofirmantes).

Viacheslav Tíjonov como Isáiev-Stirlitz en 'Diecisiete instantes de una primavera'.

Pero su punto de inflexión llegó en 1973, cuando Diecisiete instantes de una primavera llegó a la pequeña pantalla. Las calles de las ciudades se vaciaban cuando millones de espectadores se pegaban a las pantallas de sus televisores para ver la obra magna de Lióznova. Su épica serie de televisión de doce capítulos estaba ambientada en 1945 y giraba en torno a un espía soviético (interpretado por Viacheslav Tíjonov) que se infiltraba entre los nazis para desbaratar la Operación Amanecer.

Rodada en blanco y negro, uno de los mejores momentos de la historia del cine es cuando Isáiev-Stirlitz y su esposa (interpretada por Yekaterina Grádova) se encuentran en un café alemán. Incapaces de hablar abiertamente, se comunican con la mirada y las emociones ocultas, con un giro melodramático.

2. Kira Murátova (1934-2018)

Kira Murátova es la última autora del cine independiente soviético.

Murátova es la última autora del cine independiente soviético. Kira, hija de revolucionarios rumanos, era una directora nata, pero difícil de definir. Nació en Rumanía, estudió en Moscú, pero consideraba a Odesa (una ciudad portuaria del mar Negro en el sur de Ucrania, que antes formaba parte de la RSS ucraniana) su lugar favorito del mundo.

Sus películas son pioneras en estilo y campeonas en sustancia. Sus obras siempre exponen las dos caras de una misma moneda, desde el punto de vista de una mujer cineasta. “Me da tanta pena el pájaro como el gato”, dijo Murátova. Pone en el punto de mira a personas normales que, en situaciones extremas, revelan su verdadera cara. Los protagonistas de sus películas son excéntricos y difíciles de juzgar, sus acciones son completamente imprevisibles.

'Breves encuentros', protagonizada por Vladímir Vysotski y Kira Murátova.

Murátova se lanzó al mundo del cine con su primer drama amoroso de 1967, Breves encuentros, protagonizado por Vladímir Vysotski.
El intento de conocer el gran mundo (1978) es su película más infravalorada.

Los largos adioses fue archivada durante años y sólo vio la luz en 1987, durante la perestroika de Gorbachov.

Al igual que el El gato que caminaba solo de Rudyard Kipling, Murátova iba deliberadamente contra la corriente y se enfrentaba regularmente a las consecuencias. Pero, a diferencia de muchos otros, Murátova fue testaruda. Creó su propio universo visual y desarrolló su propio lenguaje cinematográfico en obras maestras como Tres historias (1997), El policía sentimental (1992) y El afinador (2004).

En una carrera que abarca cinco décadas, se las arregló para trabajar en cualquier condición: en la Unión Soviética, donde se enfrentó a la censura, y después de su colapso, cuando luchó por encontrar financiación para sus películas en Ucrania. Su película Síndrome asténico ganó el Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 1990. Esta película resultó ser inquietantemente profética, ya que Murátova previó el caos en el que se sumiría Rusia en la década de 1990.

Murátova enseñó involuntariamente al público a “leer” sus películas como un libro abierto, con el corazón abierto. Sus películas son una mezcla de drama y surrealismo, violencia y humor negro. Creció viendo las películas de Charlie Chaplin, que era su ídolo, y eso se nota.

Dos de sus películas, Los largos adioses y Síndrome asténico, se encuentran entre las 100 mejores películas dirigidas por mujeres, según la encuesta de BBC Culture. Los largometrajes de Murátova pueden considerarse una forma de meditación melancólica sobre la condición humana. “Quizás, el optimismo es el grado más alto de pesimismo”, dijo en una ocasión.

3. Larisa Shepitko (1938-1979)

Larisa Shepitko apareció por primera vez en la escena como actriz.

Morena escultural, de ojos verdes y hermosa, Shepitko apareció por primera vez en escena como actriz. Y es que llevaba el cine en la sangre.
Alumna de Alexánder Dovzhenko (cineasta soviético por excelencia de los años 30), Shepitko recordaba a menudo cómo el legendario director de la Trilogía de la guerra trataba a sus alumnos, ante todo, como personas, más que como futuros directores. Para Dovzhenko, una película era una proyección directa de la personalidad de un artista, y despreciaba a quienes utilizaban el cine sólo como medio para conseguir dinero y fama.

En una búsqueda de la verdad emocional, en 1963, Shepitko debutó en la dirección con Calor. El drama, basado en el relato corto de Chinguiz Aitmátov, ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Karlovy Vary. Además, Larisa conoció al amor de su vida en el plató, Elem Klímov (el futuro director de Ven y mira), con quien se casó a principios de los años 60.

Shepitko, de 27 años, causó sensación con su segunda película, Alas (1966). La protagonista, Nadezhda Petrújina (interpretada por Maya Bulgákova), tiene un doloroso desencuentro con el presente y no encuentra un lenguaje común con su única hija. El problema es que Nadezhda, antigua piloto de caza durante la Segunda Guerra Mundial, sigue anclada en el pasado. Se siente desesperadamente sola, porque ha construido un muro que la aísla de quienes la rodean. El final de la película es metafórico. Petrújina visita un hangar abandonado de un club de vuelo, se sube a un avión y se eleva hacia el cielo. Un primer plano capta su cara de felicidad: sus alas han vuelto a crecer y su conexión con el mundo se ha restablecido por fin.

En la década de 1970, Shepitko realizó películas autorreflexivas y socialmente relevantes, como Tú y yo (que ganó el León de Plata en el Festival de Venecia) y El ascenso (la primera película soviética que ganó el codiciado Oso de Oro en el Festival de Berlín en 1977). Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, La ascensión también figura en la lista de la BBC de las mejores películas de directoras, en el puesto 11, entre La noche más oscura (Zero Dark Thirty) de Kathryn Bigelow y Daughters of the Dust de Julie Dash.

Su estilo característico ha sido venerado en todo el mundo. Shepitko se veía con Milos Forman, Bernardo Bertolucci y Francis Ford Coppola y fue amiga de Liza Minnelli. “En Hollywood tomaban a Larisa Shepitko muy en serio como directora. Una vez, Coppola invitó a mi madre a venir a casa para pedirle una segunda opinión sobre el final de Apocalipsis Now, recordó una vez su hijo, Antón Klímov.

'La ascensión' es la primera película soviética en ganar el codiciado Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín en 1977.

Difuminando los límites entre el documental y la narración, el cine para Shepitko no era una profesión, sino una forma de vida. En un trágico giro del destino, La ascensión se convirtió en su última película. Shepitko murió en un accidente de coche cerca de la ciudad de Tver en julio de 1979, junto con cuatro miembros de su equipo. Estaban buscando localizaciones para su siguiente película, basada en la novela de Valentín Rasputin Adiós a Matiora.

4. Dinara Asánova (1942-1985)

Dinara Asánova abrió una nueva página en el cine soviético.

Asánova abrió una nueva página en el cine soviético: ofreció al gran público una visión de la vida escolar de los niños, los problemas familiares y la transición de la infancia a la edad adulta.

Asánova fue pionera en hacer películas sobre problemas de los que nadie quería hablar. Según Dinara, crecer y establecer relaciones y confianza fue uno de los momentos más dramáticos y trágicos de la vida adolescente.

“Finalmente comprendí por qué trabajar en películas sobre adolescentes me atrae tanto: están en una búsqueda constante, en busca de respuestas a numerosas preguntas, en busca de sí mismos. Y este es el camino que quiero recorrer con ellos. La infancia, la juventud, no son una isla, no son un fragmento de vida, no son una ‘previda’, sino una vida que ya ha comenzado”, escribió Asánova en sus diarios.

Asánova, que nació en Kirguistán (entonces parte de la URSS) y estudió en la escuela de cine VGIK de Moscú, desarrolló sus habilidades como directora en la década de 1970. Su primera película, El pájaro carpintero no tiene dolores de cabeza (1974), le valió a la joven directora el reconocimiento de la crítica.

Sus siguientes largometrajes, Problemas (1977), protagonizado por Alekséi Petrenko, y La esposa se ha ido (1979), con Elena Solovéi como actriz principal, se centraron en cuestiones familiares, el abuso del alcohol y las relaciones rotas.

Asánova levantó muchas cejas cuando empezó a trabajar con niños de la calle. Aportaron cierta autenticidad a sus películas. Dinara prestó especial atención a la psicología infantil y dedicó mucho tiempo a crear una atmósfera de apoyo en el plató. Dejó que los niños actores no profesionales improvisaran para crear un ambiente familiar durante el rodaje. La improvisación era tan vital para Asánova como para cualquier intérprete de jazz.

'Niños duros' (1983) se convirtió en una obra de culto en la URSS.

Su drama social Niños duros (1983) se convirtió en una película de culto en la URSS. La película ponía el foco en los menores soviéticos de un campo de trabajo y su gran mentor (interpretado por el actor favorito de Asánova, Valeri Priyómyjov). En ella se trataban temas a los que todos los adolescentes pueden enfrentarse en algún momento, como la incomprensión, la soledad y la ira.

Su drama familiar Querido, querido, amado, único ... se proyectó en el Festival de Cannes de 1985.

La vida de Asánova se truncó en Múrmansk en 1985. Murió de un paro cardíaco durante el rodaje de su nueva película Lo desconocido. Sólo tenía 42 años.

5. Nadezhda Koshevérova (1902-1989)

Nadezhda Kosheveéova tenía el don de descubrir nuevos talentos.

Aunque Koshevérova probó suerte en diferentes géneros, su talento se materializó plenamente en los cuentos de hadas. Koshevérova pasó a la historia como la reina soviética del género.

Faína Ranévskaya y Yanina Zheimó en 'Cenicienta'.

Su película más célebre, Cenicienta, le dio gloria y reconocimiento. Rodada en 1947, fue aclamada por sus tremendas interpretaciones y un brillante guión de Evgueni Schwartz. Cenicienta fue probablemente el primer cuento de hadas de la historia del cine soviético, completamente desprovisto de un regusto ideológico, pero, al mismo tiempo, reflejando algunos rasgos de la vida ordinaria soviética con un toque de ironía. Por ejemplo, la madrastra de Cenicienta (brillantemente interpretada por Faína Ranévskaia) se comporta como una residente tóxica de un típico apartamento comunal soviético.

Koshevérova tenía el don de descubrir nuevos talentos. Los actores la adoraban, entre ellos Faína Ranévskaia, Oleg Dal y Anastasíya Vertínskaia.

Sus películas, como Un viejo, viejo cuento (1968), Sombra (1971), Caín VIII (1963), El ruiseñor (1979) y La piel del asno (1982) celebran el amor y la compasión, la lealtad y el valor, la esperanza y el buen humor.

En las producciones de Koshevérova hay algo más de lo que parece. Su drama realista Galia (1940), ambientado en la guerra soviético-finlandesa, fue prohibido por motivos ideológicos, mientras que su comedia Domador de tigres, codirigida por Alexñander Ivanovski, se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1955. Sus películas han resistido el paso del tiempo gracias a su ironía y ligereza, amabilidad y melancolía.

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